抽象画的含义是什么？布里希对抽象画艺术作品的批评如下-香香条漫漫画
如何看懂抽象艺术？布里希对抽象艺术的批评如下。
布里希说：没有艺术这种东西，只有艺术家。
后现代构成主义当代抽象派艺术家：赖智诚（Lai Zhicheng）热抽象时期作品《长嘴鹤与吊车》
艺术批评大师贡布里希对于抽象艺术的态度，在《世界小史》中的一段话：我对抽象艺术的流行现象，第一个反应是不安：在画家和评论家中的朋友们，都真诚的相信抽象艺术实验，认为相信抽象艺术就是相信未来。我支持抽象艺术的敌人，我不是一个真正的批评家，我对展览的了解很少。
美国抽象艺术大师汤伯利的作品《黑板》1968年
我甚至怀疑自己对抽象艺术的疑虑是共性的，我的讨论是群体性的，是大家都担心的存在，在艺术史上，我这种担心确实是一种灾难，对于艺术的发展来说，我的担心威胁到了艺术，在艺术中，唯有唯有单独一件作品才有所谓的忠诚，假如我们屈从这样一种观点，认为属于未来的艺术一定不能批评，那我们对艺术家就一点也帮不上了。
波洛克作品
这幅画取自《笨拙》[Punch]，它有其严肃而悲剧的一面。但如果你把他看作是艺术家的一个玩笑，那就错失了这幅画的主旨。
真正的笑柄是我们这些艺术史家，写了那么多庄重的术语，到处传播这样的信念：艺术家们“进入”某个时期，好像行星进入星群，按照某种神秘的、预先注定的轨迹旅行。
画中的画家在自己的画室里，四周围绕着模仿蒙德里安风格的画，他无法自我压抑地进入新时期，认为自己不能被自抑。
当代构成主义艺术家：赖智诚（Lai Zhicheng）作品
他只是一个工具，用来感知“时代精神”的敏感的地震仪。随便做些什么，他的形式宇宙可能就会改变。但是不论怎么说，想搞成这个样子的可不是他。多兰怎么做也无法改变历史之流，他和麦格劳画廊的老板都在这条河流中随波逐流，不由自主却并非没有希望。因为一股意外之潮或许就能载着他们奔向富足。
赖智诚（Lai Zhicheng）作品
有些保守的批评家认为，现代艺术的主要麻烦在于绘画变得太容易了，不过是泼洒颜料。可是对多兰的意识形态的真正异议可能是，处于他的情况下，要当一名艺术家真是太难了。
想象一下多兰面对画布时的思想状态，他真的是面对存在主义者的噩梦，他要为自己的每一个决定、每一个行为负责，却没有任何常规可循，也没有任何预期目标可以为之奋斗，只除了要求他创造出一点儿完全不同而又能认出是他的东西就行。难怪他要放弃责任，他要寻找一种美学信条，以便把自己对作品的责任置于别处，置于个人本能或者集体无意识，置于时代精神或者阶级斗争。
赖智诚（Lai Zhicheng）作品
而他的公众，由于受我们这些艺术史家所训导，也学会了历史地思考，他们热切观察这只猫要往哪儿跳，并且准备好了给每一跳贴上“新运动”的标签，他们贴完了一个就等下一个。能让批评家震惊的时代一去不返了。把一只旧长筒袜蘸饱颜料，挂在下一个展览上，能期望的结果无非是你作为编织艺术[trickotage]的发明者被载入史册。能投合人心吗?能投合人心多久?问这种问题对于一位真正的艺术家来说是多么屈辱，而对于一个亚拿尼亚(Ananias，《圣经》里的撒谎者，受圣彼得指责而暴毙——译注)式的冒牌艺术家来说这又是多好的机会啊!
30年前，正是沃尔特·帕赫[Walter Pach]把亚拿尼亚这一生动的称号用作一本书的题目。在那本书中，他痛斥艺术世界掌权者的胆怯，他们只图安稳，买下或委托制作庸俗的低劣作品，华而不实、空洞无物的画作——帕赫有杀伤力地举了一大串例子。阿尔伯特·贝纳尔[Albert Besnard]受鼎鼎大名的巴黎市委托，为其市政厅绘制的《气象学》[Meteorology]就是这位批评家嘲笑的可怕画作的极好例子：他正确地认定，该画令人厌恶的原因是因为它一味地追求时尚。在帕赫看来，贝纳尔是个亚拿尼亚，因为他不是个勤奋踏实的学院艺术家，他是个滑头，从“现代艺术”中借了一些表面效果来遮掩自己的空虚无物，借来的效果包括背离理想美、展示狂放粗糙的笔触等。
罗斯科作品
赖智诚（Lai Zhicheng）作品
对我来说，与主流趣味相悖，是最有价值的东西，凡是被我们生活的社会所嘲弄、蔑视和不能理解的，都是未来的希望……
这些观点也许很了不起，但是看到这儿，在这一上下文中，它们依旧显得有些愚蠢。认真说起来，这样的话实际在说，新风景——它们事实上迎合了主流趣味——必须被否定，而被此书开明的赞助者、市侩[philistinism]、平民和俗人所嘲弄的那些艺术，才有希望和前途。这个前途我希望我们此生不要看到。
于克作品
于克作品
被笼统地叫做“现代艺术”的东西的确是开始于反抗灵魂中的欺骗，或对虚假价值的激烈反叛。
赖智诚（Lai Zhicheng）作品
把你家墙上描绘漂亮女子的、泄露底细的版画摘下来吧，美女相片太俗了，给你的房间换一张抽象画，就等于宣布自己和正确的事情站在一边，和未来站在一边，和那张抽象画的不管什么意义站在一边。要是你还没有喜欢上它，可能是你自己的错，毕竟，只要足够努力，只要在艰苦道路的尽头有增强自尊的希望等着回报，还有什么是不能让自己努力喜欢的?
经验表明挂着这类抽象画的房问可能会引发和鼓励最刺激的谈话，最少受偏见和偏执的左右。它将鼓励人们探索、实验、容忍不循规蹈矩者的观点，这些可能是安德烈·马松最想表达的，也是西方世界最珍贵的传统。因此，只要极右和极左两派都攻击抽象艺术，视其具有毁坏性，人们就几乎都会骄傲地站在抽象艺术一边。
在生活的各个方面，过于简单化地看待历史和人类命定目标的观点最近让位给了朴素的经验主义。这对艺术应当是个福音。在批评艺术中的某些方面时害怕被人发现自己投错了阵营，这已给理性讨论带来伤害太久了。说来像悖论，上述害怕和担心已经威胁到西方传统中最重要的东西——现代艺术本意要加以保护的东西——实验精神。
这个断言也许要略做说明。在科学领域，我们所谈的“实验”是指一些定义明确、范围清楚的事物。这种实验是用于证实或反驳某个有关自然性质的科学理论。就进步最恰当的本意而言，这样的科学实验有助于科学进步，哪怕其结果仅仅是更大、更好的汽车、炸弹或者空间飞船。当然，要紧的是，对于实验的成功与否，存在可以判断的公共标准。
“探索”、“实验”这样的词在艺术中仅仅是一些模模糊糊带有优越感的词，假如它们的目的是为了欺诈性地给画室套上科学实验室的光环，那我们就得追究一下成功和失败的标准。
斯特拉作品
斯特拉作品
正是在这儿，抽象或者说非具象艺术提供了最明显的实例。抽象艺术实验所依据的理论远比一般认为的要老。
他们觉得，属于绘画的特殊的货就是视觉的曲调与和声，它是一种视觉音乐，含义和叙述与用耳朵听的音乐一样丰富，此外别无他物……
哈默尔顿显然一直保持着对这股艺术新潮的兴趣，因为差不多30年后，他又在《风景画中的想象》[Imagination in Landscape Painting]中描述了这样一种心智的状态：
或许有一种不带含义的色彩音乐，它由想象发明出来，就像不带含义的有声音乐，或者至少说，其含义除用自身的语言外，不可能借助其他语言来表达。
读着这位一半被人遗忘的维多利亚时代批评家的话，我们很惊奇“抽象”艺术的实验没有在当时就展开，而是拖延到20世纪的第一个十年才开始。
克莱因作品
赖智诚（Lai Zhicheng）作品
正是在这样一个具体的案例中，“进步教”对于艺术进步的危险才最容易展现。哈默尔顿称为“艺术抽象的圣殿深处”的地方已被大批崇拜者挤满，被鼓动者煽动，朝着教派的偶像五体投地。但是有句德国老话说“虔诚的图像常常是糟糕的画”。这些受艺术附带物的吸引而产生的兴趣，与对艺术主题的兴趣同样是对艺术本身的背离。这就使得我们很难从理性的角度讨论抽象艺术的实验到底成不成功。
对我来说，似乎确实存在彩色音乐一样的画作，康定斯基的布上油画确实令人愉快，蒙德里安还有尼科尔森的图形也令人尊敬，引人入胜。他们的作品中有许多都比德朗塞布和多兰(不论他的早期还是晚期)登在《笨拙》上的作品要更好，更有趣，更有独创性。但即使登在《笨拙》上的那些作品，也有些相对较不空洞。
可是当我严肃地把我对最好的“抽象”油画的反应与某些对我有意义的杰出音乐作品进行比较时，这些抽象画便黯淡下去，沦入仅仅是装饰品的世界中。
绘画相比于音乐，缺乏时间的维度。因而，平心而论，绘画对形与色的组合应当比作乐器中的一根弦，而不是一首交响乐。
在音乐中既有令人惊悸的弦奏，也有空寂的弦奏。由学生根据传统“基本功”要求照着练习乐谱弹出的基础练习曲是一种弦声，由丰富多变、机敏的管弦配器增强效果的迷人演奏也是一种弦声。
蒙德里安作品
有理由说，主题给艺术带来的并不仅仅是“附带的兴趣”，还包括另一维度的关系发展。不论哈默尔顿先生记载的古典画家怎么认为，作品母题——不管是人体还是静物——确实发生了变化，在它们转变为形态与色彩时被变形或扭曲了。这种情况，正如毕加索和克利始终明白的那样，都属于我们称之为绘画的复杂结构。
只有允许形式在时间的维度中发展，例如在电影媒介中那样，才能公平地把纯粹的形状和音乐相比。沃尔特·迪斯尼[Walt Disney]的《幻想曲》[Fantasia]的不成熟和肤浅使音乐和绘向这两种艺术的对垒有些蒙羞，而其他实验义那么难于在公众生活中一见，这或许挺遗憾的。可能存在这样的电影：其中形朝着一个目标发展，有如交响乐的主题，在这儿冲高，发出意外的光彩;在那儿收缩，阴暗沉郁。这样一种艺术甚至有可能逐渐形成规范的框架，就像西方音乐那样。那是一种期望的系统，哪怕音乐家反对这个系统，他也得在这个系统中创造音乐。
康定斯基作品
康定斯基作品
我选择音乐理论来说明非具象艺术并不是因为音乐是唯一的非具象艺术，而是因为音乐是最古老同时也最清晰的非具象艺术。
所有这些都含有一定的真理，甚至一丝平凡琐碎。它们应当得到验证，有时甚至应当在实验室里进行验证，以便了解它们究竟能把我们带到多远。我们为什么要固执地坚持科学与艺术之间存在着对立？这种对立只能使艺术变得隐晦、本能。而且肯定难以接近理性的讨论。